Vamos a empezar hoy con un fragmento de Rosario Tijeras, la novela del escritor colombiano Jorge Franco que describe la ciudad en la que nació, vivió y murió nuestra protagonista: “Medellín está encerrada por dos brazos de montañas. Un abrazo topográfico que nos encierra a todos en un mismo espacio. Siempre se sueña con lo que hay detrás de esas montañas, aunque nos cueste desarraigarnos; es una relación de amor y odio, con sentimientos más por una mujer que por una ciudad. Medellín es como esas matronas de antaño, llena de hijos, rezandera, piadosa y posesiva, pero también es madre seductora, puta, exuberante y fulgurosa. El que se va vuelve, el que reniega se retracta, el que la insulta se disculpa y el que la agrede la paga. Algo muy extraño nos sucede con ella, porque a pesar del miedo que nos mete, de las ganas de largarnos que todos alguna vez hemos tenido, a pesar de haberla matado muchas veces, Medellín siempre termina ganando”.

Ahí, en esa ciudad con una personalidad matriarcal pero con espíritu de macho, nació una de las pioneras del arte moderno en Colombia. Su vida estuvo rodeada de escándalo y polémica: luchaba por ser libre e independiente en medio de una sociedad conservadora, donde brillaba la doble moral. La amenazaron varias veces de excomunión. Los políticos de derecha mandaban a cerrar sus exposiciones y a desmontar sus cuadros. Fue la primera mujer en pintar desnudos en Colombia, pero la tildaron de obscena, indecente e inmoral. La crítica la marginó e ignoró su trabajo durante décadas, y ella tuvo que esperar hasta sus casi 80 años para que se reconociera su calidad como artista, aunque en su reconocimiento todavía queda mucho camino por andar.

Esta es la historia de Débora Arango, una artista real. Y esta es la biografía sonora que hoy vamos a contar. Soy Juliana González-Rivera y este es un podcast para la campaña Artistas Reales de Pony Malta, artistas del presente y del pasado, para inspirar a las artistas del futuro.

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A nuestra protagonista vamos a situarla hoy entre cuatro grandes pintores de su tiempo, que como ella pintaban a la alta sociedad: Francisco de Goya en España, apenas 9 años mayor que ella; Joshua Reynolds y Thomas Gainsborough en Inglaterra, que se ganaban la vida pintando a los miembros de las familias adineradas, y Jacques Luis David, francés, de quien fue gran amiga. Todos fueron retratistas, todos pintores de los poderosos, reyes y aristócratas, de la alta burguesía. Con una diferencia solamente: con talentos a la par, con fama, reconocimiento y fortunas hechas con su arte, el nombre de los hombres se conoce, y aparece en los libros de historia del arte, pero no el de Elisabeth. Ella, que vivió en el siglo XVIII, pasó de ser la preferida de todos para que les hiciera sus retratos, de ser la pintora mejor pagada, miembro de las Academias de pintura de Francia, Florencia, Roma, Bolonia, San Petersburgo y Berlín –con lo difícil que era en ese momento para una mujer entrar en esas instituciones–, a ser en la actualidad una artista completamente desconocida para la mayoría. ¿Por qué? En esta historia hay celos, envidias, matrimonios por conveniencia, intrigas políticas, reyes a los que les cortan la cabeza en la guillotina, fugas, conspiraciones y exilio, triunfo vital y, finalmente, desaparición….

Esta es la historia de Elisabeth Vigée-LeBrun, una artista real. Y esta es la biografía sonora que hoy vamos a contar. Soy Juliana González-Rivera y este es un podcast para la campaña Artistas Reales de Pony Malta, artistas del presente y del pasado, para inspirar a las artistas del futuro.

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“Me dedico al dolor para dar sentido y forma a la frustración y el sufrimiento. No puedo hacer desaparecer el dolor. Ha venido para quedarse”. La frase es de una artista francoamericana que cuando pronunció estas palabras tenía casi 100 años. Un siglo de dolor. Tal vez es demasiado.

Soledad, miedo, abandono, angustia, nostalgia, fragilidad. Y sobre todo, los recuerdos de una infancia llena de sombra, de memorias dolorosas, de traumas. “¿De dónde somos?”, se preguntó el escritor Antoine de Saint Exupéry mientras sobrevolaba, como piloto de guerra, el castillo de su niñez. Y respondió: “Somos de nuestra infancia”. En el caso de la artista de la que hablaremos hoy, esta idea cobra más sentido que nunca. Habitó su niñez toda la vida, para nunca dejar del todo la casa familiar en la creció, los dolores que se formaron allí y la acompañaron hasta los 98 años. Nietzsche decía que hay que agradecer al sufrimiento, y que hay que darle forma, porque el alma agradece su profundidad, su grandeza y su fuerza. “Hay que demorarse en lo negativo y entenderlo: “Inventiva y valentía en el soportar, perseverar, interpretar y aprovechar la desgracia”, aconsejaba el filósofo. Y si alguien supo hacer esto fue la protagonista de esta historia, porque su arte, a lo largo de casi un siglo de trabajo, fue la forma que le dio a su niñez herida, que no solo es la suya, sino una con la que podemos conectar todos los que nos acercamos a su obra. En arte, “la historia de un hombre está llamada a ser la historia de todos los hombres”, decía Borges. Y la de ella es, un poco, la de todos nosotros.

Esta es la historia de Louise Bourgeois, una artista real. Y esta es la biografía sonora que hoy vamos a contar. Soy Juliana González-Rivera y este es un podcast para la campaña Artistas Reales de Pony Malta, artistas del presente y del pasado, para inspirar a las artistas del futuro.

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